Título: Centauros del desierto Título original: The searchers Fecha de producción: 1956 Nacionalidad: Estados Unidos Duración: 119 min Dirección: John Ford Música: Max Steiner Fotografía: Winton C. Hoch Guion: Frank S. Nugent. Novela: Alan Le May Montaje: Jack Murray Productora: Warner Bros Distribuidora: Warner Bros Género: Western
Ficha artística Reparto principal:
Actores John Wayne Jeffrey Hunter Vera Miles Ward Bond Natalie Wood John Qualen Hank Worden Olive Carey Henry Brandon
Comienza con un plano conjunto (master), para ampliar a un plano conjunto corto o americano largo (continuidad en el movimiento). El siguiente plano será medio, en el momento en que Laurie se siente (el cambio de plano se establece con su movimiento), dejando aire por arriba y el fondo algo desenfocado. A continuación, la cámara sigue la mirada del personaje y aparece un plano medio del padre a la vez que suena la voz de Laurie, fuera de campo. Tras este inciso, la cámara vuelve a mostrar un plano conjunto (plano master), para volver a cambiar a plano corto cuando vuelve a iniciar la lectura y, tras decir la última palabra, suena una música extradiegética, que continúa durante el resto de lectura e incluso durante el flashback.
En este caso, la narradora, en segunda instancia, sería Laurie y, en primera instancia, el escritor de la carta). Se utiliza el recurso básico de mostrar lo que se está contando: un flashback con plano conjunto, porque se nos muestran las imágenes de lo que está contando en la carta. En cuanto al sonido, fuera de campo, sigue siendo la voz de Laurie (continuidad de música extradiegética).
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Título: Cuentos de Tokio Título original: Tōkyō Monogatari Fecha de producción: 1953 Nacionalidad: Japón. Dirección: Yasujirō Ozu. Dirección de fotografía: Yuuharu Atsuta. Guión: Yasujirō Ozu, Kogo Noda. Montaje: Yoshiyasu Hamamura. Música: Takinori Saito. Productor: Takeshi Yamamoto. Distribuidora: Shôchiku. Idioma: Japonés. Duración: 139 min. Género: Drama.
Ficha artística
Reparto Principal
Actores:
Chishû Ryû
Chieko Higashiyama
Setsuko Hara
Haruko Sugimura
Sô Yamamura
Kuniko Miyake
Kyôko Kagawa
Eijirô Tôno
Nobuo Nakamura
Personajes:
Shukichi Hirayama
Tomi Hirayama
Noriko Hirayama
Shige Kaneko
Koichi Hirayama
Fumiko Hirayama
Kyôko Hirayama
Sanpei Numata
Kurazo Kaneko
Análisis de fragmento: La discontinuidad
Fragmento Cuentos de Tokio de Ozu
Durante la duración de este fragmento, podemos observar que la posición de la cámara se encuentra en un plano bajo, siempre a la altura de los personajes sentados. Por otro lado, hay un continuo plano/contraplano, sin embargo, salta la línea del eje, posicionando la cámara de manera circular, lo que le permite saltar de un lado de los personajes al otro.
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Título: Cantando bajo la lluvia Título original: Singing in the rain Fecha de producción: 1952 Dirección: Gene Kelly y Stanley Donen Dirección de fotografía: Harold Rosson Guión: Betty Comden y Adolph Green Montaje: Adrienne Fazan Música: Nacio Herb Brown (música) y Arthur Freed (letra) Productor/es: Arthur Freed y Metro-Goldwyn Mayer Distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer Nacionalidad: Estados Unidos Idioma: inglés Duración: 103 minutos Género: musical, romance y comedia.
Ficha artística
Reparto principal:
Actores Personajes
Gene Kelly Don Lockwood Debbie Reynolds Kathy Selden Donald O’Connor Cosmo Brown Jean Hagen Lina Lamont Millard Mitchell R.F Simpson
Escenas
La escena se compone de un montaje interno ya que se hace uso de planos largos, donde se sigue el movimiento de los personajes y los actos tienen un orden; y de un montaje lineal pues se desarrolla una única acción en orden cronológico. En esta escena no hay muchos cambios de planos y la trama es lineal mostrando como los personajes Don Lockwood (Gene Kelly), Kathy Selden (Debbie Reynolds) y Cosmo Brown (Donald O’Connor) cantan y bailan ya que están felices de haber encontrado una solución para el próximo estreno de una película: convertirla en un musical. La escena comienza con un plano conjunto de los tres personajes hablando entre ellos y felices por la idea que se les había ocurrido. La cámara sigue constantemente el movimiento de los personajes sin cambiar bruscamente de plano. Una música extradiegética suena durante toda la escena y los personajes se ponen a cantar y a bailar. En un momento dado, se realiza un travelling de desplazamiento hacia la izquierda y de acercamiento y alejamiento a los personajes. La escena termina con ellos riéndose en un sofá y la música extradiegética desaparece por completo. Esta escena se ha grabado sin muchos cambios de plano y siguiendo el movimiento de los personajes ya que lo que se busca es que sea visible constantemente el baile de los personajes.
Meganarrador
En esta secuencia de la película, observamos que el narrador delegado es Don Lockwood (Gene Kelly), explicando a la prensa como llegó hasta donde estaba ahora. Él explica que tanto a él como a su amigo Cosmo Brown (Donald O’Connor), les iba de maravilla cuando eran músicos y bailarines de bajo nivel, pero, las escenas que vemos en pantalla (que serían el meganarrador) nos muestran que era justo lo contrario a lo que él narra. En realidad, eran músicos de pacotilla que la gente abucheaba…
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Título: Fama Título original: Fame Fecha de producción: 1980 Nacionalidad: Estados Unidos Duración: 133 min Dirección: Alan Parker Música: Michael Gore Fotografía: Michael Seresin Guion: Christopher Gore Montaje: Gerry Hambling Productores: David De Silva y Alan Marshall Distribuidora: Metro-Goldwyn-0Mayer United Artists Género: Drama musical
Ficha artística Reparto principal:
Actores Irene Cara Lee Curreri Laura Dean Antonia Franceschi Paul McCrane Barry Miller Gene Anthony Ray Maureen Teefy
Personajes Coco Bruno Martelli Lisa Hilary Montgomery Ralph Leroy Doris Finsecker
Escena
En esta escena podemos observar que existe un ruido diegetico, pero que se encuentra fuera de campo, es decir, los espectadores no vemos desde donde proviene, pero a medida que la protagonista se va a acercando a esta se va escuchando más y más fuerte, hasta que entra en la sala donde procedía el susodicho ruido. Dentro de esta podemos ver un montaje picado, es decir, una sucesión de planos muy cortos que nos hacen percibir una sensación de caos, con esto el director quería mostrar el todo teniendo en cuenta el ritmo. Este montaje se hace notar más cuando los personajes empiezan con la pieza musical, teniendo toda clase de planos: primer plano, plano detalle, contrapicado, plano general, etc. Y lo que consigue el director con estos planos es situarnos únicamente a un personaje, sin dejar de enseñar al resto, ya que hace uso del enfoque selectivo, es decir, una persona o dos estaran enfocadas, pero el resto de personajes desenfocados.
En conclusión, podríamos decir que «Fama» se trata de un musical justificado diegéticamente.
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Título: Ciudadano Kane Título original: Citizen Kane Fecha de producción: 1941. Nacionalidad: Estados Unidos. Dirección: Orson Welles. Dirección de fotografía: Gregg Toland. Guión: Herman J. Mankiewicz y Orson Welles Montaje: Robert Wise. Música: Bernard Herrman. Productora: RKO, Mercury Theatre Productions. Distribuidora: RKO, Paramount Pictures y Warner Bros. Idioma: Inglés. Duración: 119 min. Género: Drama.
Ficha artística
Reparto principal:
Actores:
Orson Welles
Joseph Cotten
Dorothy Comingore
Agnes Moorehead
Ruth Warrick
Ray Collins
Erskine Sanford
Everett Sloane
William Alland
Paul Stewart
George Coulouris
Fortunio Bonanova
Gus Schilling
Philip Van Zandt
Georgia Backus
Harry Shannon
Personajes:
Kane
Jedediah Leland
Susan Alexander Kane
Mary Kane
Emily Monroe Norton Kane
James W. Gettys
Herbert Carter
Mr. Bernstein
Jerry Thompson
Raymond
Walter Parks Thatcher
Matiste
The Headwaiter
Mr. Rawlston
Miss Anderson
Kane’s Father
https://www.youtube.com/watch?v=-r0b_XeRkG4
Escena de apertura «Ciudadano Kane»
Al comienzo de “Ciudadano Kane”, la iluminación es muy contrastada para dar un ambiente más tenebroso y que provoque un choque visual y nos introduzca un lugar que vamos descubriendo. Comienza la película con un cartel que dice “No pasar”, pero lo primero que hace la cámara es precisamente lo contrario, pasa a través de una transición: un fundido encadenado, y continúa cambiando por encadenados (cuando las dos imágenes tienen la misma intensidad se llama el momento de sobreimpresión). La música es extradiegética, además, va acompasada con las imágenes. Llama la atención con la iluminación para situarnos y, de repente, se apaga la luz de la ventana a la vez que el sonido. Vuelve a iluminarse, desde un plano interior esta vez, y aparece nieve y un zoom out y, a continuación, un plano detalle de los labios y el bigote de Kane pronunciando la palabra clave, ROSEBUD, para volver la atención a la mano soltando la bola y esta rompiéndose para después aparecer una escena en la que se ve la bola rota y la enfermera a través, en una gran profundidad de campo.
La profundidad de campo es muy acusada en Ciudadano Kane. Esta es la distancia que hay entre el punto más cercano a cámara foco y el más lejano que también está en foco.
Llega el contraste a tal extremo que llega a una iluminación de silueta, como la que usaba Hitchcock. Ahora sí, encontramos un fundido a negro y vuelve el plano de la ventana, para volver otra vez a un fundido en negro y un cambio en el sonido. Es como si hubiera terminado un episodio. El fundido se utiliza mucho para marcar el fin y comienzo de pequeños episodios.
En el reportaje, el narrador se manifiesta a través de las imágenes (al ser un noticiario), de la voz en off y de los rótulos, un convencionalismo del cine.
La primera aparición del trineo ya se usa para indicar que se ataca a alguien que le propone un cambio de vida, de su feliz infancia. A partir de 11:30, hay algunos planos que parecen ser captados por periodistas o papparazzis. En el minuto 12:00 encontramos la justificación diegética del noticiario: estábamos viéndolo junto a un grupo de periodistas. Encontramos otro contraste muy acusado acentuado con un enigma, que se convierte en misión: encontrar el significado de Rosebud. Hasta aquí encontramos el prólogo de la película, porque plantea lo que veremos a continuación.
Thompson actúa como representante del espectador, es el narratario, es decir, el que recibe la información del narrador. Durante la película, los narradores son personajes en general. En Ciudad de dios, el narrador está en un universo extradiegético, pero en Ciudadano Kane está siempre presente, es diegético. En la conversación con Berstein, hay un claro ejemplo de montaje interno, ya que la cámara solo hace un plano en el que, además, hay movimiento y agranda al personaje acercándose a él. Sigue haciendo lo mismo, reajustando la cámara y acercándose más todavía a Berstein en el momento en que Thompson le enciende un cigarrillo. Ni siquiera hay un plano-contraplano, porque la cámara se centra en Berstein ya que Thompson actúa como narratario. A continuación, Berstein se levanta y la cámara lo sigue, quedando Thompson relegado a una esquina y en la sombra mientras la cámara sigue los movimientos de Berstein. Por supuesto, usa también el concepto de la profundidad de campo. Empieza con el recuerdo a través de un fundido encadenado, con una música extradiegética fuera de campo. Además, cuando empieza a contar la historia, es un narrador que no aparece, él no participa de esto: hay un convencionalismo en el que, aunque un narrador no sea diegético, él puede saber cosas.
Cuando ya están en el periódico, la cámara está situada en un ligero contrapicado y también hay una gran profundidad de campo, lo que nos permite situar a todos los personajes y ver cómo se desplazan.
https://www.youtube.com/watch?v=w1U_LVWZVsU
SUMARIOS:
Termina la voz de Leland, arranca la música extradiegética y empezamos con un plano en conjunto del matrimonio que, además, sirve como plano de situación: sitúa a los personajes en un plano determinado. Hay un ejemplo de plano-contraplano. El primer bloque termina y esto se marca por una especie de efecto. En cada bloque habrá una evolución en el estado del matrimonio. A partir del segundo bloque, ya encontraremos planos-contraplanos. En el tercer plano, aparte del efecto, tenemos un cabalgado: el sonido comienza antes de que empiece la imagen. El fragmento está lleno de cabalgados para mantener la continuidad del montaje. Continúa la música extradiegética. Volvemos a la situación de partida en el último bloque, con un plano en conjunto de situación, pero ha habido una continuidad narrativa. También está el sumario de los teatros, con las representaciones de la segunda mujer de Kane cantando en la ópera.
Pequeña explicación de la escena que se vio en clase
Tal como vimos en clase, aquí tenemos la primera escena de la película «La La Land», un drama y musical estadounidense, escrito y dirigido por Damien Chazelle, y protagonizado por Emma Stone y Ryan Gosling. Esta escena se caracteriza, principalmente, en ser un montaje interno muy elaborado, basado en un plano secuencia de 4:18 minutos en el que la cámara, con un movimiento de travelling va grabando el número musical que la compone. Decenas de coches en una autopista de Los Ángeles, decenas de bailarines profesionales y la canción ‘Another Day of Sun’ integrada en la escena de un modo extradiegético; aunque en el minuto 2:44 vemos como hay un intento anecdótico de justificación diegética de la música. No cabe duda de que esta fué una escena problemática, según Chazelle: «El equipo tuvo que acertar qué clase de coche prodría soportar el peso de alguien bailando, sin dañarlo».
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Ficha técnica Título:‘Payback’. Título original:‘Payback’. Fecha de producción: 1999. Nacionalidad: Estados Unidos. Dirección: Brian Helgeland. Guión: Brian Helgeland y Terry. Montaje: Kevin Stitt. Música: Chris Boardman. Dirección de fotografía: Ericson Core. Productor/es: Bruce Davey y Icon Productions. Distribuidora: Paramount Pictures y Warner Bros. Idioma: Inglés. Duración: 100 min Género: Suspense, thriller y acción.
Ficha artística
Reparto principal:
Actores
Mel Gibson
Gregg Henry
Maria Bello
David Paymer
Bill Duke
Deborah Kara Unger
John Glover
William Devane
Lucy Liu
Jack Conley
Kris Kristofferson
Personajes
Porter
Val Resnick
Rosie
Arthur Stegman
Detective Hicks
Mrs. Lynn Porter
Phil
Carter
Pearl
Detective Leary
Bronson
Análisis de escena: Continuidad espacial
Es una escena con un montaje externo, por lo que se caracteriza por tener planos cortos, rápidos y en diferentes lugares para darle dinamismo, sin perder la tensión, especialmente donde Porter (Mel Gibson) está encerrado en el maletero del coche y necesita escapar. Se desarrolla, por lo tanto, un montaje paralelo que intenta parecerse a un montaje convergente. Es decir, esta secuencia se edita y monta de una manera que superpone una serie de planos con los siguientes para dar sensación de continuidad espacial y temporal. Esta continuidad espacial se percibe con los saltos de tres acciones principales: Porter en el maletero, Tres de los hombres de Carter (William Devane) subiendo a la habitación y Rosie (Maria Bello) esperando en la habitación. Por último, toda la tensión dentro de la secuencia se ve reforzada mediante la música, un sonido extradiegético fuera de campo.
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Título: El silencio de los corderos Título original: The silence of the lambs Fecha de producción: 1991 Nacionalidad: Estados Unidos Duración: 115 min Dirección: Jonathan Demme Música: Howard Shore Fotografía: Tak Fujimoto Guion: Ted Tally.(Novela: Thomas Harris) Montaje: Craig McKay Productora: Orion Pictures Distribuidora: Género: Thriller
Ficha artística Reparto principal:
Actores Jodie Foster Anthony Hopkins Scott Glenn Anthony Heald Adam Levine
Personajes Clarice Starling Hannibal Lecter Jack Crawford Dr. Chilton Jame «Buffalo Bill» Gumb
Acciones paralelas en El silencio de los corderos
Encontramos este montaje a partir del minuto 1:05, con un primerísimo primer plano en el que comienza una música extradiegética que enlaza con el siguiente plano (1:07), que es general exterior y tiene función de situación. A continuación, encontramos un tercer plano de detalle (1:11) con las polillas y continúa la música extradiegética. Aquí comienza una sucesión de planos interior de detalle y exterior general (más cortos que el anterior) para que el espectador encuentre un punto en común, reforzado por la continuidad sonora, y comienzan las acciones paralelas.
Cuando vuelve a aparecer el asesino (1:50) encontramos un plano medio-largo en el que la cámara va siguiendo al personaje, que se asoma y ve a la chica en el hoyo mediante un plano en picado subjetivo (1:51), porque se corresponde con la mirada del asesino. Se vuelve entonces a intercalar con planos exteriores. En el minuto 2:56, el agente del FBI toca el timbre y, al instante, se corta el plano y aparece un plano detalle (girado respecto a lo horizontal) del timbre en el sótano del asesino.
En conclusión, en esta escena encontramos un montaje paralelo, ya que muestra acciones paralelas que nunca llegan a confluir: por una parte, Clarice en casa del asesino y, por otra, el FBI en una casa vacía. Hay dos acciones básicas: la que desarrolla el FBI y la que tenía el asesino con la chica secuestrada. Si el agente hubiera abierto la puerta y se hubiera encontrado con el asesino, habría sido un montaje convergente, debido a que las acciones confluyen, pero no es este el caso, sino que se ha tratado de sorprender y engañar al espectador mediante un montaje de acciones paralelas.
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Somos el equipo de trabajo que se encargará de actualizar la página web de Estudios fílmicos del curso 2022-23 (Bellas Artes – UPV). Este blog servirá para repasar los análisis del relato cinematográfico, así como los elementos que lo constituyen, anteriormente estudiados en clase.
